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La brujería en la Edad media

A finales de la Edad Media empezó a configurarse una nueva imagen de la bruja, que tiene su principal origen en la asociación de la brujería con el culto al Diablo (demoniolatría) y, por lo tanto, con la idolatría (adoración de dioses falsos) y la herejía (desviación de la ortodoxia). Aunque el primer proceso por brujería en el que están documentadas acusaciones de asociación con el Diablo tuvo lugar en Kilkenny, Irlanda, en 1324-1325, sólo hacia 1420-1430 puede considerarse consolidado el nuevo concepto de brujería. Las connotaciones de esta imagen fueron tan amplias que abarcaron incluso las artes, por eso se observa en la pintura de la edad media y el  renacimiento como el bosque y la naturaleza son tenidas siempre en un segundo plano, ya que es en ese sitio donde se aloja el mal, era de suponer que un pintor que quisiera poner en primer plano la naturaleza fuera procesado por herejía y terminara en la hoguera de turno. Contra lo que suele creerse, la mayor parte de los procesos por brujería los llevaron a cabo tribunales civiles, y la Inquisición solo tuvo un papel preponderante en los primeros años de la caza de brujas. Los procesos tuvieron lugar por igual en países católicos y protestantes. En los territorios de religión ortodoxa, en cambio, las cazas fueron de intensidad mucho menor. Durante estos procesos, se aplicó con frecuencia la tortura para obtener confesiones, por lo cual los investigadores actuales suelen manifestar cierto escepticismo acerca de lo manifestado en los juicios por brujería.

Sobre este período hay multitud de películas que pueden destacarse en las que se encuentran los típicos clichés: escobas, filtros, gatos negros, pócimas y caras envejecidas, como otras versiones que dan una lectura un tanto metafórica sobre los problemas políticos y morales de las sociedades americanas o inglesas del pasado siglo. La primera película sobre la brujería en sentido estricto es “Haxan”, de 1922, del danés Benjamin Christensen,  si bien la película más allá de un argumento se contenta con mostrar los diferentes periodos de la brujería a través de los tiempos, sin dar pie a ningún análisis, solo se limita a mostrar unos hechos donde caben los arquetipos conocidos hasta llegar a nuestros días pasando por  una representación un tanto  teatral del periodo inquisidor, como agregado,  una de las versiones de  la película posee una narración  en off con la peculiar voz de William Burroughs y una banda sonora de jazz beatnik, lo cual  no suma mucho a una obra ya superada en intenciones y gusto visual. Más interesantes resultan ser obras como: Witchfinder General (Michael Reeves, 1968), donde Vincent Price encarna al siniestro cazador de brujas Mathew Hopkins, que de una manera feroz y cínica y con la ayuda de un ayudante igual de cruel que él, ajusticia sin vacilar a una gran cantidad de supuestas brujas en el período de la guerra civil inglesa donde los ejércitos del parlamento liderados por Cromwell y los realistas de Carlos I  teñían de sangre escarlata la verde campiña inglesa, la película no muestra apariciones, ni insinúa magia por ningún lado, de hecho es un film bastante pesimista y depresivo ( su director Michael Reeves sufría de depresión, enfermedad que la pasaría factura el año siguiente, ya que se suicidó con una sobredosis de barbitúricos). Las  escenas de violencia son bastante explícitas para la época, el film  se encarga de mostrar las actitudes humanas más perversas y crueles, la ira, la codicia, la avaricia, todo orquestado por un grandioso Vincent Price  que suele saberse estos personajes de memoria, a manera de dato curioso, el director no gustaba mucho de Vincent Price, puesto que deseaba en dicho papel a Donald Pleasance, lo cual llevo a más de un desacuerdo y conflicto, pero esa ya sería otra historia.
En cambio en “The Blood on Satan’s Claw“, (Piers Haggard, 1971), se propone algo diferente, los habitantes de un poblado comienzan a sufrir terribles visiones, y pesadillas, a causa de los recientes descubrimientos de unos restos humanos que asemejan a una figura diabólica, comienzan una serie de desapariciones, los chicos ya no van a la predica y los asesinatos rituales se ponen al orden del día, una hermosa joven se convierte en la primera sacerdotisa del mal y los niños en sus acólitos, al final un implacable juez con espada santa en mano, cortara de raíz el mal ajusticiando al carnal demonio, no sin antes quemarlo y de paso cargarse a alguno que otro de sus secuaces. Si bien el argumento puede sonar bastante trivial, una posible interpretación de la historia, más allá de la brujería, puede enfocarse sobre una forma de rebeldía en contra de la alienación, las costumbres  sin sentido y la falsa moral, los jóvenes en cuestión se desbocaban a sus más profundas pasiones, reprimidas por unos personajes aparentemente correctos como el juez y el pastor del pueblo, pero demasiado antipáticos e hipócritas como para identificarse con ellos.
“Black Sunday”, (Mario Bava, 1960), decantaba más que una idea una forma de hacer las cosas, lo importante de Black Sunday no es tanto la historia, la consabida maldición que pesa sobre aquellos que ajusticiaron a un par de brujos enamorados, los cuales siglos después vuelven a la vida para cobrar venganza. Lo plástico, los encuadres y el oficio de Bava, hacen que la película permanezca como obra de culto, pero si no fuera por esto, tal vez la cinta no superaría el promedio de films bastardos de horror italiano. Del mismo año que  “Black Sunday”, “The City of the Dead“, (John Llewellyn Moxey, 1960) es una entretenida aunque modesta película de terror, que inicia con una historia sobre la caza de brujas en el siglo XVII, donde un profesor de historia, interpretado por Christopher Lee, comenta los sucesos acaecidos en el pueblo de Whithewood, Massachusetts (Nueva Inglaterra), para luego trasladarnos a nuestros días para revivir de una manera escalofriante los mismo sucesos que suceden en este pueblo perdido en la niebla más densa y con un secreto que solo se descubrirá hacia el final del metraje.

“The Crucible “, (Nicholas Hytner, 1996), si bien, no hay mucha hemoglobina, ni aparición demoníaca como tal, la película da un tratamiento diferente a los aspectos ya mencionados anteriormente, aquí asistimos a unos juicios de lo mas maquiavélicos, donde justos y más justos son ahorcados a favor de dios y en contra de un diablo que solo vive en las mentes de aquellos ignorantes que no pueden ver más allá de sus narices, la película no busca reivindicar la brujería como tema, sino mas bien busca dar un mensaje de la palabra y la integridad como algo único y personal que hacía que cualquier sacrificio valiera la pena, como reconstrucción histórica es válida pero como película de horror, está más cerca del drama que otra cosa.
Pero si hay una película que de verdad hable sobre un proceso de brujería como debe ser, con actuaciones de gran alcance, con una cinematografía perfecta y con un ritmo lento y pausado es sin duda “Dies Irae/Días de ira”, (Carl Dreyer, 1943), la cinta está alejada de la sangre y lo explicito, pero todos los temas que sugiere, la cobardía, las obsesiones personales, el mal en estado puro, Satanás y la brujería, se convierten en un compendio de todo lo doloroso y atemorizante que afecta al ser humano,  con una profundidad psicológica  nunca antes vista en el cine, sin dejar de lado las comparaciones obvias con los interrogatorios nazis que ocurrían en esos años, lo cual dimensiona aun más esta obra de la que se habla muy poco, pero que se debería redescubrir con premura.
Hay otros films inferiores a éstos que de varias maneras exploran el tema la brujería en la Edad media de una manera directa o indirecta, por ejemplo: The Dunwich Horror, (Daniel Haller, 1970), The Witches, (Cyril Frankel, 1966), “The Witchcraft”, (Don Sharp, 1964) y “The Naked Witch”, con el reconocido peor director de los todos los tiempos (incluso, peor que E. Wood) Andy milligan. Hay que reconocer que estos films aunque suelen tener sus momentos rescatables y sus influencias interesantes, como Lovecraft por ejemplo, no suelen superar el éxito ni las intenciones de sus predecesoras, convirtiéndose en films menores y hasta mediocres si se quiere, pero que igual se dejan ver.

Brujería: La Ortodoxia manda

Conforme avanza el tiempo inexorablemente el tema de la brujería en el cine alcanza otras dimensiones y otras fuentes de las cuales se puede tomar una historia, ya no se recurre al pasado tomando como punto de partida los cruentos procesos de la Edad Media, ahora, ubicándonos en nuestros días y acorde con una visión un poco más moderna se intenta adentrar el mito en unas estructuras que permitan darle un aire de actualidad al asunto. “Night of The Demon”, (Jacques Tourneur, 1957), es un ejemplo de esto, un psicólogo escéptico intenta poner en claro una serie de extraños sucesos que involucran brujería, magia negra, demonología y encuentros extrasensoriales, los cuales son atribuidos al malévolo y encantador Dr Julian Karswell, si bien la película se resiente por una sensacionalista aparición demoníaca en los momentos de mayor clímax, en conjunto logra mostrar cómo el mal penetra en el mundo moderno y no puede ser explicado a través de la ciencia y los conocimientos adquiridos durante siglos que, presuntamente, harían quedar a la superchería y las apariciones como cosa del pasado. “The Devil Rides Out”, (Terence Fisher, 1968), es otra película que recorre los mismos caminos, ayudado por el espléndido guión de Richard Matheson y unas actuaciones correctas de Christopher lee y Charles gray, asistimos a una lucha donde las fuerzas del bien se enfrentaran a una imponente secta adoradora del demonio con un marcado componente de brujería, lo más interesante en la película es la excelente descripción de los fenómenos, los rituales, anagramas, y un aquelarre que es un verdadero manual de cómo debe filmarse ese tipo de escenas. Hay otros 2 films del imprescindible Christopher Lee que vale la pena comentar, el primero si bien es una película sin pretensiones, pero con un casting de lujo, es “Crimson Cult”, (Vernon Sewell, 1968), donde las estrellas del horror, Lee, Boris Karloff y Barbara Steele, se juntan en un castillo medieval en medio de un valle inglés invadido por melenudos hippies que celebran un festín, aparentemente, una bruja ha encarnado en uno de los invitados y tratara de apoderase del alma de otro de ellos. Por otra parte,  resulta más convincente y satisfactorio el segmento que el mismo Christopher Lee protagoniza en aquella película de “antologías”, “The House That Dripped Blood”, (Peter Duffell, 1971), en el relato llamado “Swets to the Swet”, en el que Lee deberá soportar en carne viva las maldades de su pequeña hija que ha heredado de su madre fallecida el gusto por la brujería.

Si bien estos films son entretenidos, y muestran de una manera más o menos directa un cierto gusto por la iconografía demoníaca y la brujería, ninguno aporta en general una visión diferente o transgresora que los catapulté mucho mas allá de sus pequeñas dimensiones, esto mismo se puede decir de películas como “The Witching”, (Bert I. Gordon, 1972), que contaba con las aparición ( no digo actuación) de Orson Wells y la joven Pamela Franklin en uno de sus ya consabidos papeles de chica posesa-problemática y “ Race With The Devil”, (Jack Starrett, 1975), entretenido film de acción-terror, donde Peter Fonda y Warren Oates, junto con sus respectivas esposas, deben hacer frente a una horda de brujos que los persiguen por las carreteras estatales. A pesar de tener una factura muy clase b, el resultado final es más que brillante, ayudado por la empatía que uno nota entre los dos protagonistas principales.
“Rosemary’s Baby“, (Roman Polanski, 1968), es una película que se acerca más al tema de la idolatría, donde la brujería es una instrumento y no un fin, conjurar que el bebé de la inocente Rosemary sea efectivamente el nuevo hijo de Satán, lo interesante de  este film es la forma como los supuestos satánicos actúan, alejados de toda acción de protagonismo, incluso mostrándose como personas normales que, en la intimidad,  rinden culto al mal, en ese sentido hay que reconocer la honestidad de un film que no nos engaña, simplemente nos muestra los hechos tal como pasarían en caso de que fueran reales. Por otro lado, Season of the Witch, (George Romero, 1972), es una película que ofrece una visión moderna, donde el tema de la brujería se mezcla con la crisis familiar de una mujer madura que observa como su mundo personal se desmorona a cada paso, agobiada por el aburrimiento del constante abandono de su esposo y al no encontrar satisfacción personal en ninguna de las cosas que le interesan, este personaje se mete de lleno en las prácticas esotéricas y mágicas para poder satisfacer sus deseos reprimidos, si bien uno puede aplaudir la forma como Romero intenta ofrecer algo diferente tomando como baza el tema “brujeril” hay que anotar que la película se hace muy difícil de digerir, el ritmo a veces cansino asociado a unas actuaciones de lo mas planas  enturbian el resultado final y las valiosas intenciones dan al traste con una realización menos lograda de lo habitual en la filmografía de Romero, algo ya parecido le sucedería al propio director cuando dirigió la incomprendida pero muy interesante “Martin” claro que esa vez no hablaba de brujas, sino de vampiros.

Del temible cuento de hadas a la bruja menos convencional

La bruja tiene un papel esencial en los cuentos infantiles, como los recopilados por los Hermanos Grimm, en donde es el personaje malvado arquetípico. Ya Terry Giliam en la inofensiva pero visualmente aceptable “The Brothers Grimm” nos mostraba un ejemplo de esto, y  Margareth Hamilton nos regalaba uno de esos papeles triples  como Miss Gulch,  la malvada  bruja del este y del oeste en la ñoña versión del mago de Oz de 1939. Aunque si de cuentos de brujas hablamos no debemos dejar de mencionar dos historias de origen ruso, La Baba Yaga del folclore ruso, reflejada en el relato homónimo de Aleksandr Nikolaievich Afanasiev, llevada a la pantalla grande en 1973, en una muy equivocada adaptación de Corrado Farina e interpretado por la sensual Caroll Baker, acá nuestra bruja atormenta  a una joven y bella fotógrafa (Isabelle De Funès), y el elemento diabólico estará presente en unas extrañas muñecas a escala, esta versión cinematográfica le debe más al comic Valentina de Guido Crepax, que al  original literario de Afanasiev y, lamentablemente, el resultado no es satisfactorio. En cambio, “Viy”, (Georgi Kropachyov, 1967), es un cuento de brujas en todo el sentido de la palabra, donde un joven aspirante a sacerdote tendrá que velar tres noches seguidas la tumba de una joven fallecida que resultará, claro, ser una temible bruja que utilizaría su atractiva apariencia para seducir a los hombres y llevarlos a la perdición. La película resulta ser un cuento de brujas muy logrado, donde podemos sentimos atemorizados y maravillados, por las aterradoras y a la vez hermosas secuencias que se nos ofrecen. Otros films que más o menos se acercan a esta descripción son “The Witches” (Nicholas Roeg, 1990) donde una muy convincente Anjelica Huston interpreta a la gran bruja que intentará convertir a todos los niños en ratas, y la repelente e insoportable “Hocus-pocus” (1993), producto de la factoría Disney, empresa  que pareciera tener como objetivo anual matarnos del aburrimiento con productos demasiado edulcorados.

Suspiria, la obra maestra de Dario argento (1977), tiene mucho de cuento de hadas, una inofensiva Jessica Harper es abandonada a su suerte en la temible academia alemana de danza, donde una atmósfera oscura invade todo lo que la rodea, al comienzo la joven no hace nada frente a los extraños sucesos que le ocurren y, en ocasiones, reacciona de forma absurda frente al peligro que la acecha, si bien la película cuenta con innumerables detractores que le achacan su falta de consistencia en el guión y el argumento, lo cierto es que hay que destacar a Suspiria como un puro ejercicio de cuento de brujas moderno, con una crueldad y a la vez plasticidad, no superada ni siquiera por el propio Argento en sus siguientes obras.
Volviendo al sentido menos convencional de la palabra bruja nos encontramos con la apabullante Kim Novak, que dio vida a una de las brujas más elegantes de la historia del cine en “Bell, Book and Candle” (Richard Quine, 1958),  aunque rodeada de un halo de misterio con atuendos funerarios y gatos negros de mascota, la estampa que recrea es sinónimo de un garbo muy rara vez presentado en la gran pantalla, obviamente las escenas de terror en esta película son casi nulas. Por otro lado, la bruja pagana de The Guardian, (William Friedkin, 1990), interpretada por la actriz británica Jenny Seagrove no está nada mal, Seagrove no posee la presencia de Novak, pero resulta  más sugerente, sus desnudos y esta vez  el horror se hacen más presentes, convirtiendo un film menor en una película bastante entretenida. No hay que terminar sin mencionar  el clan de brujas de The Craft (A.K.A jóvenes brujas,  Andrew Fleming, 1996),  donde se retoman de una manera mas o menos seria algunos tópicos  de la brujería como los rituales y los conjuros. Sin llegar a ser una gran película, The Craft al menos intenta conectar con un público juvenil sin renunciar al lado más tradicional de la brujería, como dato curioso:  una de sus protagonistas, Fairuza Balk ( la bruja mala ) luego de la película se convertiría a la religión neopagana  Wicca.

Sangre, sudor y conjuros

Películas sobre brujas hay muchas, tanto que en los últimos años han salido títulos que van desde un estilo gore y abiertamente visceral hasta cintas con un gracia peculiar que las acerca más a géneros como el drama, la comedia o la aventura, ejemplos de estos últimos son cintas como: Harry Potter y sus numerosas secuelas, The  Golden Compass (Chris weitz, 2007), o “The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe” (Andrew adamson, 2005), todos estos films no hablan sobre la brujería o sus consecuencias, solo buscan crear mundos oníricos que permiten distraer al público infantil y juvenil con unas historias de lo mas pueriles e inofensivas, claro, el cálculo está hecho y las butacas se llenan de ciertos de imberbes ayudados por la promoción y mercadotecnia del caso, pero si nos alejamos un poco de las  butacas del cine más consumista, se pueden encontrar otras opciones menos populares y acaso más interesantes, en ese orden de ideas films como “Superstition” (James W. Roberson, 1982), o “Warlock” (Steve Minner, 1989) son cuchilladas de emoción y horror con un buen envoltorio técnico pero con una muy endeble historia de fondo, aunque más débil y falsa resultaría ser la tercera entrega de la trilogía de las madres de Dario Argento: en “The Mother of Tears “(2007), asistimos prácticamente a la defunción de Argento como director, una película donde se hace patente la incompetencia para crear una historia medianamente inteligente y donde la falta de recursos estéticos y técnicos son las principales cartas de presentación, acá las brujas no son ni medianamente parecidas a lo ofrecido años atrás en Suspiria, en esta ocasión parecemos asistir a un mal videoclip ochentero, no obstante el cine del director romano se caracterizaba por sus buenas dosis de esteticismo.
“The Blair Witch Project“ (1999) no es tanto una película de horror, es más bien un truco publicitario con duración de largometraje vendido como película de terror, y su secuela es francamente impagable.”The Woods “del prometedor Lucky McKee se acerca a un estilo conceptual y una historia que si bien no ofrecen nada nuevo desde el punto de vista técnico, está más cerca de Suspiria que las últimas  películas del mismo argento. Un segmento de la popular serie Masters of horror, “Dreams of the Witch House”, intenta acercarse al revival del gusto por la brujería más tradicional en nuestros días, donde un joven tendrá que hacer frente a una poderosa bruja. “Anticristo” (Lars Von Trier, 2009) despunta como una de las últimas sorpresas a tener en cuenta, una historia que mezcla la tradición esotérica, símbolos, oscurantismo, todo en unas atmósfera muy pastoril, por así decirlo, en un director que es más agudo que crítico y que no suele dar muchas concesiones, a pesar de mis reparos generales a su cine, hay que reconocer que probablemente sea una obra que, si bien peque de intelectual, se acerca a una revisión del tema “mágico” con cierto respeto y madurez, lo cual no es demasiado común en estos días.

1. Se habló mucho de Roman Polanski a raíz de su inesperado arresto en Suiza, hubo quién se escandalizó de que arrestaran a un artista, y quien señalo que serlo no lo exhimía de haber cometido un crimen, lo que tal vez nadie comentó fue que este director franco polaco, hizo películas geniales entre los 60 y los 70, pero desde que huyó hace años de su juicio en los USA por violar a una niña, no hizo nada especialmente valioso (habrá quien le guste El pianista, pero a juicio de quien suscribe siempre serán mejores Repulsión, Cul de Sac, El inquilino, Rosemary’s Baby o Chinatown)
2. y es que hablando precisamente de Repulsión, del bebé de Rosemary, y de El inquilino, películas conocidas como la “trilogía de los apartamentos”, es imposible no relacionarlas con la reciente, y polaca, película de horror, Naboer (Next Door en inglés, literalmente Vecinos, literariamente “Las vecinas”), de Pål Sletaune, es una película angustiante como pocas, que brevemente, ahonda en el lado más oscuro del alma valiéndose de un personaje neurótico e infeliz asediado por sus atractivas y siniestras vecinas. Naboer es un film polaco de horror contemporáneo que definitivamente se debe ver
3. Como también se debe ver la imperfecta, pero muy grata “Senki“, del yugoslavo (ahora macedonio) Milko Manchevski, que es una historia de fantasmas moderna, ambientada en medio de un conflicto étnico y social inusual en las historias fantáticas, en Senki (Sombras), los fantasmas van al médico y se hacen radiografías, pero además de eso, buscan reivindicar, de manera simbólica, la tierra que les arrebataron, Manchevski es un director original y arriesgado en todas sus películas, en Senki además, sabe ser divertido y terrible a la vez.
4. Y aunque no es de Europa ni es de terror, y ni siquiera es actual, Experiment of Terror, de Blake Edwards, es una gran película de suspense, con Glenn ford y Lee Remick enfrentando a un ladrón de bancos asmático y homicida, pero que tiene, como casi todos los seres humanos, su lado bueno. Experiment of Terror es la inspiración de la serie Twin Peaks de David Lynch y su secuencia inicial está entre lo más logrado del cine comercial, demostrando que Blake Edwards, cuando no hacía (in) trascendentes comedias, era algo así como el Michael Mann de los 60, realizando ejercicios de estilo brillantes y espeluznantes, como este Experimento de terror. Todo hay que decirlo, los personajes asiáticos de esta película, muy humanos, muy dramáticos, parecen pedir disculpas por parte de Edwards por su cruel ligereza en Breakfast at Tiffany’s del año anterior, de la que hablamos hace poco.
5. Aunque no todas las comedias son intrascendentes, o tal vez sí lo son, pero algunas son divertidas también, sobre todo las que no son tan mainstream, tan políticamente correctas, el canadiende Allan Moyle venía de dirigir algunos clásicos juveniles como Pump Up the Volume y Empire Records, y hace pocos años, y siendo él mismo un tipo ya no tan joven, realizó una brillante comedia juvenil muy políticamente incorrecta, Weirdsville, una historia de equívocos que enfrenta a dos amigos yonquis y a una prostituta con aspiraciones con una diletante secta satánica, cruzándose por el camino con un ejército de enanos, unos mafiosos peligrosamente ridículos  y un anciano hippie y millonario y su decadente sobrino, todo aderezado con una banda sonora de indie canadiense de la mejor calidad, por que  a veces, cuando no se abusa, las bandas sonoras hechas solo a base de canciones funcionan pero que muy bien.

Trato de ser objetivo, no obstante soy testigo del proceso de LARVA desde su inicio (que nunca creí que diera para tanto, confieso), y me he tomado más de una cerveza con el 80% de los que han publicado en la revista, pero si sueno demasiado amable con la publicación, lo único que puedo hacer es recomendarles que la lean y saquen ustedes mismos sus propias conclusiones, yo desde acá, esperaré con ansias los siguientes números en mi buzón, y hablaré de ellos siempre que el tiempo, que es tan poco, me lo permita.

Puntos donde se consigue la revista LARVA

dibujantes

En este momento requiero dibujantes  que estén dispuestos a trabajar, bien sea en el Estudio donde se hace la película o desde sus casas. No se requiere mayor experiencia en animación, pero sí manejo de figura humana, saber dibujar con tableta digitalizadora y manejar Flash o Toon Boom

lo que hay que hacer

1. Descargar el archivo adjunto que contiene un archivo swf
2. Importar el archivo en flash o toon boom, aparecerá una secuencia dibujada incompleta
3. Dibujar los 5 pasos intermedios en los frames que están vacíos, utilizando la herramienta de lapiz (no la de pincel) utilizando el mínimo grosor de línea (1), hay que asegurarse de que esto sea así para que no se vea diferente a la de los dibujos originales.
4. Exportar un nuevo archivo swf (salvarlo sin protección para que a su vez pueda ser abierto), por favor no envíen archivos .fla o .tbp
5. Enviar el swf al email animacion @ 68revoluciones.com con datos completos, nombre, edad, teléfono y ciudad.  Los portafolios digitales, reels de animación o direcciones de flickr, deviant art o blogs serán recibidos, pero recuerden, lo fundamental es la prueba en el swf
6. Los dibujantes seleccionados serán contactados para eventual contratación, trataré en todo caso de responder a todos las pruebas que envíen.

Como dije al comienzo, se agradece inmensamente a los lectores de 68 revoluciones que hagan circular este aviso entre sus amigos y a través de redes sociales y blogs.

Gracias a los que ya han ido enviando la prueba, y a los que han corrido la voz en su blogs y redes sociales. Se están recibiendo tantas que nos demoramos un poco en contestarle a cada uno, a los que están por enviarla, lean con cuidado las indicaciones y si tienen dudas no vacilen en ponerlas en los comentarios

NOTA: desde que el post está en el blog es porque la convocatoria está vigente, y lo va  estar todo este año y el siguiente.

el dueño del mundo

El último hombre (Der Letste Mann, Frederich Murnau, 1924) era una película destinada a convertirse (en uno de los) primeros grandes clásicos del cine, su argumento y su puesta en escena ponen de manifiesto una madurez narrativa de parte de su realizador (el mismo de Nosferatu y Fausto), que evidenciaba en el cinematógrafo una capacidad de contar historias que superaban absolutamente el melodrama convencional para adentrarse en temas más profundos y serios, antes solo conocidos por la literatura. Es la historia del portero de un hotel, ya mayor, que luego de cometer varios errores es confinado a cuidar los baños del hotel en el sótano. No pudiendo soportar la vergüenza, el portero finge en su vecindario tener un cargo importante, hasta que es descubierto por sus vecinos y parientes y cae en el oprobio, la película mostraba una sociedad arribista, que prefiguraba lo que en tan solo una década llegaría a ser el nazismo, tanto así, que los productores  optaron por cambiar radicalmente su amargo final, dando lugar al primer deus ex machina de la historia del cine: el portero heredaba de un cliente agradecido una inmensa fortuna, y convertido en potentado, se daba el lujo de humillar a quiénes lo habían tratado mal.

el demonio de la campiña inglesa

Night of the Demon es una película de terror de 1957, que narra las vicisitudes de un profesor americano investigando en la campiña inglesa a un culto satánico que estaría implicado en un homicidio. Inspirado en el excelente relato breve “Casting the Runes“, de M. R. James, la película cuenta con un guión excelente, y con un personaje absolutamente memorable, el presuntamente diabólico doctor Julian Karswell. Muy a su pesar su director Jacques Tourneur , no tuvo el control de la obra final, y no logró esquivar a los productores, que se empeñaron en que debía aparecer en pantalla un demonio real, cuando Tourneur quería, cómo ya había hecho en sus películas para Val Lewton, que lo sobrenatural quedara en entredicho, a discreción del espectador.  La que podía ser la obra maestra del creador de I Walked With a Zombie, es un film que por su lamentable demonio kitsch, desciende a la calidad de una película de serie B sin querer serlo, si bien contaba con una historia, unos interpretes (Dana Andrews y Niall MacGinnis) y un director ejemplares.

los desesperados

La última película de Clark Gable y de Marilyn Monroe, quienes fallecieron el primero a la semana y la segunda al año de filmarse The Misfists, es sin duda uno de los mayores retratos de antiheroes que ha plazmado el celuloide. Escrita por el dramaturgo Arthur Miller, dirigida por uno de los mayores genios del cine americano, John Huston, The Misfits, de 1961 es una película increíble, que supo reflejar en su puesta en escena la dificil carga emocional que imprimían involuntariamente sus intérpretes, Monroe padecía fuertes depresiones y era adicta a las drogas, Gable estaba muy afectado de salud y moriría de un infarto al final del rodaje. Ambientada en Reno, Nevada, la película nos muestra el encuentro de una mujer divorciada y depresiva, Roslyn Taber (Monroe), con Gay Langland (Gable), un viejo vaquero que es adicto a las apuestas y que se enfrenta a la vida vacía que dejó pasar, que es representa metáforicamente a través de unos caballos a los que intenta atrapar. Los productores no quedaron contentos al ver el primer corte y Huston y Miller tuvieron que reescribir varias escenas y el final, aunque hay que reconocer, eso sí, que de los finales felices impuestos por Hollywood, el de The Misfits, de John Huston es de los más dignos.

desayuno con diamantes

La imagen de Audrey Hepburn con un cigarrillo con boquilla en la mano es un emblema de la cultura pop del siglo XX, tanto como la de Clark Gable tomando en sus brazos a Maureen O’Hara o la  de Boris Karloff haciendo una interpretación peripatética del monstruo de Frankenstein, y como en las otras mencionadas, la imagen de la hermosa Hepburn tampoco corresponde a una verdadera obra de arte. Y lo triste es que Desayuno en Tiffany’s (Breakfast at Tiffany’s, 1961) tenía todo para serlo, estaba basado en una de las mejores novelas cortas escritas en inglés en el siglo XX, y contaba con Audrey Hepburn como la adorable Holly Golightly, no obstante, la película tiene dos defectos siniestros, la inclusión de un personaje lamentable, un vecino japonés, caricaturesco y ridículo en extremo (y que no aporta absolutamente nada a la trama), y que si bien en el momento del estreno no le importó a nadie, con el tiempo le valdría acusaciones de racismo al director Blake Edwards y boicot a la presentación de la película en ciclos de cine, por otro lado, lo que hace grande a la pequeña novela de Truman Capote, es la conmovedora historia de amor que pudo haber sido y no fue, entre Holly y el protagonista, la sensación de desamparo que queda después de leer el libro en la película se convertía en un aparatoso y muy cursi final feliz (impuesto por los productores, claro está), con un beso épico bajo la lluvia, que traicionaba por completo el espíritu de la obra original.

el androide que soñaba con unicornios

Hablar de la calidad o de la importancia de Blade Runner, hoy en día, es llover sobre mojado. Basta con decir que es una de las mejores películas de ciencia ficción de la historia, que su estética no ha pasado de moda y que los recursos con que se hizo no tienen nada que envidiarle al CGI del cine actual. Pero la versión que se estrenó en salas en 1982 no es la que se conoce hoy, lo que se vio en los cines fue una versión suavizada y simplificada, en la que el detective Rick Deckard no soñaba con unicornios, y en cambio narraba en off todo lo que iba ocurriendo (se pensó que era una película difícil de entender, y que era necesario un narrador para que “tradujera las imágenes”), asimismo, eliminar el sueño del unicornio hacía que no tuviera sentido el unicornio de papel que Gaff (Edward James Olmos) le dejaba a Deckard (Harrison Ford), como prueba de que sus recuerdos, su vida propia y su mundo interior no eran más que imágenes implantadas, porque él, Rick Deckard, el encargado de “retirar” a los androides rebeldes, era también un hombre artificial. La versión de 1982 tenía un final feliz en el que Deckard era humano y lograba escapar con la hermosa replica Rachael (Sean Young) hacía unos inexplicablemente verdes bosques (toda la película transcurría en una apocalíptica y oscura ciudad de Los Angeles, que esbozaba un apocalíptico planeta del cual todos querían escapar). En otros casos, los finales felices forzados, o los narradores en off impuestos por los productores, dieron lugar a películas que si bien perdieron como obras de arte, ganaron comercialmente, la justicia poética de Blade Runner radica en que la película fue un fracaso comercial a pesar de sus mercenarios remiendos, y sólo adquirió caracter de cult movie con el tiempo, una década después su director Ridley Scott se adueñaría de los derechos de la película y la estrenaría sin el narrador, pero con el sueño del unicornio, y el final, que todos le conocemos.

primera sangre

La tragedia de los veteranos de Vietnam, esos soldados que regresaron a Norteamérica luego de perder la guerra, es de por sí un hecho muy triste que ha inspirado ficciones de todos los estilos, desde la hipócrita pero muy lograda “Deer Hunter” de Michael Cimino a  la mucho más profunda “Coming Home” de Hal Ashby. En ese contexto, First Blood, de 1982, parecía una película de ación más que un drama social, pero su reflejo de la desadaptación de un comando super entrenado (Silvester Stallone), que se convierte a su pesar en un prófugo de la ley, pero logra poner a raya  a un grupo de policías torpes y brutales de un poblado montañoso (comandados por un soberbio Brian Dennehy), acaso no era tan banal. La película tenía otro final que de hecho se filmó, en el que John Rambo le arrebataba una pistola a su comandante y se suicidaba (se puede ver aquí), se trataba de un final bastante trágico, pero mucho más realista y acorde con la desesperanzada realidad de los veteranos de guerra, que la presunta redención a la que más adelante se someterá Rambo en las secuelas, en las que emprendía inverosímiles y estúpidos rescates de sus compañeros en un Vietnam de cartón piedra. First Blood, el primer Rambo, pudo ser una gran película, sus secuelas son en cambio, cintas que jamás se deberían haber filmado.

la planta que devoraba humanos

En 1960, Roger Corman filmó The Little Shop of Horrors en tan solo 2 días, reciclando los sets de una película cuyo rodaje había concluído recientemente y con un presupuesto que no llegó a los treinta mil dólares, el resultado sería una de sus mejores películas, una comedia sencilla y muy poco ambiciosa en la que una planta carnívora venida del espacio se alimentaba de seres humanos y establecía una fáustica relación con su cuidador, Seymour Krelborn. 26 años después, Frank Oz recuperaría la divertida premisa en un film ahora sí ambicioso, The Little Shop of Horrors de 1986, que más que un remake del film de Corman, era una adaptación del musical de Broadway de 1982. La nueva Tiendita del horror incluía una impresionante planta gigante, protagónicos de los geniales Rick Moranis y Steve Martin, y números musicales que convierten el sencillo argumento de corman en un musical en toda la regla, la película tiene un único defecto, y es que es de los 80, si hubiera sido de la década anterior, como Tommy, Jesus Christ Superstar o Rocky Horror Picture Show, muy seguramente los productores hubieran permitido que se estrenara con su aparatoso y divertido final, que homenajea todo el cine de serie B de los 50 del cual el propio Corman había sido artífice y fundador, en el cual la humanidad entera era víctima de la codicia y sucumbía a la amenaza de las plantas asesinas del espacio (ese final, que costó un tercio del presupuesto de la película, puede verse acá).

el infierno queda en edimburgo

Trainspotting, el libro, es una de las obras literarias más nihilistas de finales del siglo pasado. A medio camino entre la autobiografía y el retrato generacional, la novela de Irvine Welsch aborda las vivencias de un grupo de yonquis en Edimburgo,  Escocia, especialmente de Renton, un muchacho que ve morir a sus amigos por enfermedades ridículas como la mixomatosis o cuyo hermano soldado muere a manos del IRA, mientras que él, por más que lo intenta, no se muere nunca de una sobredosis. Danny Boyle (que es un director que pudo haber sido un gran director), decidió adaptar la novela al cine, pero sin el tono sombrío que la caracteriza, valiéndose de una estética dinámica, un tono de comedia de humor negro, y una banda sonora con lo mejor del pop británico del fin de milenio. Al convertirse el proyecto en algo mucho más comercial de lo que el libro permitía suponer, Trainspotting, de 1996, obviamente los productores hicieron de las suyas incluyendo todo lo que no deben tener las buenas películas, un narrador en off que explica todo lo que no es obvio (la excusa es que el acento escocés era duro de entender para el público americano) y un final, si no exactamente feliz, sí un tanto más edificante que en la obra original. En el libro Renton, después de ser parte de un negocio de drogas que le deja a él y a sus amigos un gran botín,  traiciona a los otros como parte de su escapada de ese mundo del que finalmente se ha hartado, llevándose todo el dinero para empezar una nueva vida, en la película, amén de que se le da a la novia menor de edad de renton una importancia que en el libro jamás tuvo, se hace énfasis en que los amigos merecían ser traicionados, y que el único que nunca le jugó sucio a Renton se merece conservar su parte (que Renton le deja en un casillero en una toma, por cierto, muy bien filmada), en suma, el Renton de la película es una buena persona, el del libro en cambio, no necesariamente lo es, y es que ése es el punto.

Andrezzinho (Andrés Prieto, Bogotá, 1977) es uno de los narradores gráficos más completos de Colombia (http://www.flickr.com/photos/andrezzinho), y estará en Armenia para un programa de talleres, charlas y exposiciones.

Considerado como uno de los más destacados ilustradores editoriales del país (ha participado en Larva, Santillana, Norma, Alfaguara, El Malpensante, Piedepágina, Bacánika y SM), visitará Armenia por primera vez para compartir en tres espacios su experiencia como dibujante: un taller sobre la concepción literaria en el cómic, una charla sobre su trayectoria y, por último, la presentación de una exposición con algunos originales de la serie de historietas “Bastonazos de ciego”.

Programación y actividades:

- LITERATURAS EN EL CÓMIC: Las palabras hechas trazo
10:00 a.m. – 12:00 m.
La forma literaria se esconde detrás de una viñeta, del trazo que conforma un personaje, un escenario, o la disposición de las viñetas y los planos comunica tanto como las palabras. Se explorará el lenguaje del cómic a partir de la forma y la construcción literaria, y viceversa. También se creará partiendo de un escrito pero dándole una nueva lectura a partir de la imagen: Historias silentes, narraciones fragmentadas, narraciones visuales de textos no narrativos. El punto de partida para la invitación a crear será una adaptación realizada por Andrezzinho de un clásico cuento de Ambrose Bierce.

- CONVERSACIÓN. Ciegos y bastones: bitácora de un historietista colombiano
2:30 p.m. – 4:30 p.m.
Museo del Oro Quimbaya – Sala de Lectura
Charla con Andrezzinho. Modera Marco Noreña (ilustrador e historietista colombiano, cofundador de la gacetilla Robot).

- BASTONAZOS DE CIEGO: exposición ilustrada.
4:45 p.m. – 5:15 p.m.
Exposición guiada por los originales de la serie Bastonazos de ciego: http://bastonazosdeciego.blogspot.com/search/label/bastonazos

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En el evento tendrá lugar la resentación oficial del número 10 de la revista Larva y el proyecto concertado con el Ministerio de Cultura de Colombia.

Pero lo mejor no es eso, si no que los realizadores de Efecto Desintegrador nos permiten ver su trabajo por completo, así que, por un momento, suspendan las descargas de rapidshare o del torrent (para que usen todo su ancho de banda con el streaming del youtube) y dénse el lujo de ver el que podría ser el mejor animado que se haya hecho en Colombia hasta la fecha,o en todo caso, el que a mí más me gusta: Efecto Desintegrador, de Camilo Rosas, Juan Franco y Javier Fabregas