Estos cobardes se pasaron del todo al 3D, pero hay que ver que lo hicieron con elegancia
por diegogue
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- Los aviones hundidos
- ¿Justicia poetica?
- una reevolucion
por diegogue
Se ha hablado, quizás demasiado, y quizás demasiado bien, de la más reciente película de Kathryn Bigelow, The Hurt Locker. Cierto es que no es un mal film, sobre todo porque Bigelow no es ninguna mala directora, pero adolece de un defecto común a casi toda la obra de esta cineasta, un final nefasto. Bigelow terminaba un macabro relato de vampiros white trash como si fuera un cuento de hadas (Near Dark), una nihilista visión de futuro como una comedia romántica (Strange Days) y finalmente, la que se supone es la gran película de la guerra de Irak, con un estrepitosamente cursi y absurdo alegato en pro del valor de los soldados americanos en Irak, casi un, muy efectivo, comercial de reclutamiento. Se ha hablado de Hurt Locker como una película emocionante, que destila adrenalina en todo su metraje y que está muy bien filmada, se ha dicho además que Bigelow es una directora especialmente viril, o en todo caso, muy capaz de contar un cuento de hombres, pero eso nos obliga a pensar en otra chica ruda que dirigió otro audiovisual sobre la guerra de Irak que es más profunda, más responsable con el tema, más emocionante y hasta mejor filmada que Hurt Locker, nos referimos a Susana White, dirigiendo la miniserie de HBO de 7 episodios, Generation Kill.
Basada en el libro del mismo nombre del periodista Evan Wright, originalmente publicado por entregas en la revista Rolling Stone, Generation Kill, libro y serie, pretenden ser una visión objetiva, casi justa, de los sucesos de la ocupación de Bagdad en 2003, contados con distancia por el reportero que acompañó a un destacamento de los marines durante dos meses, en el libro, Wright se explaya un poco más con sus propias opiniones, y analiza el extraño fenómeno de un grupo de jóvenes que parten hacia el otro lado del mundo sin tener muy claro el porqué de su misión, y según palabras del propio Wright, sin una conciencia completa de lo que implican los muertos que van dejando a su paso. Generation Kill es un libro ameno y especialmente bien escrito, como el Gomorra de Roberto Saviano, el reto de su adaptación quedó a cargo de David Simons y Ed Burns, quiénes ya habían logrado en la serie The Wire un muy complejo retrato del submundo de Baltimore y de la lucha entre la policía y el crimen organizado. The Wire no solo es una de las mejores series policiales de todos los tiempos (acaso es, definitivamente, la mejor), si no que es una serie que supo contraponer a un policía casi heroico, extremadamente hábil y con una ética a toda prueba, el teniente MacNulty, sin desconocer que los jefes de éste, los políticos y acaso el alcalde mismo, no son mejores que los capos de la mafia. El reto en Generation Kill era lograr una historia emocionante, y asimismo no ser irresponsables con un tema tan controversial, nada menos que la guerra más impopular en la que se han visto envueltos los EEUU en los últimos 50 años.
Lo interesante del asunto, amén de la impecable dirección, es que Generation Kill rompe toda clase de esquemas, evidentemente denuncia los excesos y el absurdo de la ocupación norteamericana en irak, pero lo hace de un modo completamente sutil, totalmente opuesto al Redacted de brian De Palma, o a la Batalla de Haditta, de Nick Broomfield, tan sutil que ni los mismos militares pueden sentirse ofendidos por lo que se muestra, asimismo Generation Kill es absolutamente emocionante, no obstante, sus protagonistas nunca enfrentan un peligro real, y ninguno de ellos muere a lo largo de los siete capítulos (hay uno que se lesiona un pie), en cambio, mientras dura el recorrido por carretera desde la frontera hasta Bagdad, constantemente van quedando a lo largo del camino cadáveres de civiles, mujeres y niños, asesinados por balas perdidas de los marines (que a veces se disparan entre ellos mismos, además), y a veces asesinados friamente por francotiradores que son aplaudidos por sus compañeros. La mayoría del tiempo, somos testigos del viaje de estos soldados, conocemos qué piensan, que sienten y que creen los jóvenes que se alistaron para ir a Irak (nunca supimos que pensaban los héroes de Hurt Locker, esto es, entendiendo que pensaran algo). Generation Kill cuenta además con un soundtrack excelente, con canciones que estaban de moda en 2003, pero con un valor agregado, son cantadas a capella por los soldados en medio de su viaje, como si se tratara de un paseo escolar, solo al final, al llegar a la destruida Bagdad, uno de ellos mostrará la edición final del video que ha ido armando a lo largo del viaje, y sonará una de las últimas canciones que dejara grabadas Johnny cash, The Man Comes Around, una canción plagada de referencias apocalípticas que va coincidiendo con imágenes de cadáveres, explosiones y muerte, los soldados al comienzo ríen, luego van alejándose uno a uno de la pantalla, un poco como negando lo que han hecho, que es lo que cuenta Wright en su libro.
Tanto leyendo el libro, como viendo la serie, nos encontramos con uno de los mejores relatos sobre una de las peores situaciones contemporáneas.
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- La aparente nota discordante
por diegogue
- Que sí, que Up! es una película con mayor dignidad cinematográfica que el 90% de las prescindibles y muy costosas super producciones animadas en 3D que han aparecido en los últimos quince años
- Que sí, que en general el trabajo de Pixar es un heredero mas elegante del Disney de antaño, el buen Disney, que esas horriblemente cursis peliculas 2D que la empresa Disney ha producido en lo que va de siglo y que ojalá no hubiera producido
- Y asimismo, que uno no puede dejar de preguntarse que sentido tiene, en pleno siglo XXI, hacer una película que en términos dramáticos no presenta mayor evolución ante el Pinocchio de 1940, o en el mejor de los casos, cediendo a sobornos y presiones de grupos extremistas, a The Phantom Tollbot de 1970
- Que igual, esos cuentitos con moraleja, como eso de “la verdadera aventura es relacionarte con las otras personas”, es un temita tan manido, tan obvio que ni siquiera el pretexto de que es para niños, o para toda la familia, lo justifican plenamente
- En ese sentido, Las triplettes de Belleville era una pelicula que sabía ir un poco mas allá, logrando un lenguaje poético sólido, que en Up! se esboza con lo de la casa voladora, pero que pierde varios puntos contra las ancianas francesas con su final trillado y soso, que desdice su relativamente original puesta en escena
- Que la secuencia de montaje contando la historia de un matrimonio que no podia tener hijos es tan bonita que no parece de una pelicula animada mainstream hecha en los Estados Unidos
- El resto de la pelicula sí lo parece, lamentablemente
- Igual se deja ver
- La linterna magica
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- De la materia de la que estan hechos los sueños
- Elogio de la locura
por diegogue
(nota, éste y los siguientes artículos de esta serie se limitan a reseñar largometrajes animados, los cortometrajes son una disciplina aparte sumamente compleja y con sus propios códigos, y ya existen artículos en español muy interesantes sobre el tema en esperantoapaulpot)
Los inicios de la animación se remontan a los inicios del cine y a los comienzos del siglo pasado, no obstante, la realización de largometrajes debía esperar un poco para hacerse efectiva, por costos y problemas de producción que no habían sido ni siquiera pensados. Los antecedentes son una película argentina de tema político “El apostol” del italo argentino Quirino Cristiani, que hacía una caricatura osada del presidente Hipólito Irigoyen, ironizando desde el título acerca de la supuesta honradez del mandatario, lamentablemente, esta película desapareció en un incendio, como la mayoría de los trabajos de Cristiani. Por otro lado está Die Abenteuer des Prinzen Achmed (Las aventuras del príncipe Ahmed, 1926), de la alemana Lotte Reiniger, que utilizaba una técnica de marionetas de siluetas para contar una historia de amor. Finalmente, a mediados de los años 30, Walt Disney se animaría a producir el primer largometraje de animación convencional, embarcándose en una empresa que le demoraría mas de cuatro años y que iniciaría un modelo de trabajo que generaría diversos largometrajes de todos los estilos en el mundo entero, ocho de los largometrajes más representativos que encontramos entre los años 30 y 50 son los siguientes:
Blanca Nieves y los siete enanos
Titulo original: Snow White and the Seven Dwarfs IMDB – Dirigida por David Hand – USA, (1937)
Adaptando un antiguo cuento de hadas de los hermanos Grimm, Blancanieves y los siete enanos, una historia que hoy es ya vox populi en todo el planeta, en forma de musical a la moda de finales de los años 30, canciones y coreografías protagonizadas por los enanos y los animalitos del bosque, números dramáticos y oscuros protagonizados por la reina envidiosa, la Blancanieves de disney no es solo un hito de la animación, es la entrada de los cuentos de hadas en la cultura pop del siglo XX. Disney explotaría la fórmula hasta el cansancio con Pinocho, la Cenicienta, La Bella durmiente, Peter Pan y otras muchas versiones edulcoradas de los cuentos clásicos. Blancanieves fue animada por nueve dibujantes, estos nueve artistas crearon todos los preceptos de la animación clásica, y con el tiempo serían (re) conocidos como los “nueve ancianos”.
Los viajes de Gulliver
Titulo original: Gulliver Travels IMDB – Dirigida por Dave Fleisher – USA, (1939)
Producción de los hermanos Fleisher que adaptaba el relato más amable de los viajes de Gulliver de Jonathan Swift, novela satírica escrita en el siglo XVIII y que no era para niños, pero los Fleisher se las arreglaron para convertirla en una historia de aventuras, quitándole el trasfondo irónico y de sátira social, de la que destacana las increíbles escenas y proponiendose como respuesta al modelo disneyano, tanto el Gulliver como los Popeyes y Betty Boop de los Fleisher, eran menos cursis que los personajes de Disney, pero no supieron sobrevivir a la Segunda Guerra Mundial, ya que no quisieron, como Disney, hacer dibujos animados bélicos.
Descargar la película desde Archive.org
La rosa de Bagdad
Titulo original: La Rosa di Bagdad IMDB – Dirigida por Anton Gino Domenighini – Italia, (1941)
Se trata nada menos que del primer largometraje animado europeo, influenciado tanto por Disney como por Flesiher, pero realizado de una forma mucho más artesanala (casi tdo lo dibujó el mismo director Domenighini a lo largo de casi ocho años). La rosa di bagdad es una versión del Aladino de las mil y una noches, enfatizando la vertiente romántica del relñato original, y engalandao con una princesa cantante que exuda una discreta sensualidad, geniales dibujos para un cuento snecillo que puede verse hoy como un clásico.
extracto en inglés de la Rosa de Bagdad
El caballo jorobado
Titulo original: Konyok Gorbunok IMDB – Dirigida por Ivan Ivanov Vano – URSS, (1947)
Sin tener la acogida comercial de Disney, en la Unión Soviética la animación se desarrolló de un modo impresionante, Ivan Ivanov vano, reconocido como “El patriarca de la animación rusa” estrenó en 1947 “El cballo jorobado”, hermoso relato basado en el poema de Pyotr Pavlovich Yershov, y que por ser precisamente basado en un poema, es de los escaos largometrajes hablados en rima que se han hecho. Con unos diseños impresionanters, completamente tributrarios de una tradición de lustración rusa muy preciosista, asistimos a las aventuiras del joven Ivánque un día atrapa a un hermoso caballo volador que, a cambio de su libertad, le ofrece dos veloces caballos y un pequeño pony mágico, siendo dueño de estos caballos Iván es reconocido por el Zar, que lo nombra encargado de las caballerizas, entonces el anterior encargado urdirá una trampa para recuperar su puesto, por lo cual Iván, en compañía de su pequeño caballo jorobado tendrá que superar increíbles pruebas para ganar la confianza del monarca.
ver película en Youtube (en ruso)
El rey y el ruiseñor
Titulo original: Le roi et l’oiseau IMDB – Dirigida por Paul Grimault – Francia, (1952)
Aunque solo llegaría a estrenarse comercialmente en los años ochenta, El rey y el ruiseñor (originalmente “La pastora y El deshollinador”), fue concebida y animada a finales de los años cuarenta, quedando la película inacabada en 1952, cuando el director Grimault se peleó con el productor y solo pudo recuperar la película en 1967, llegando a darle los ultimos toques ya en los ochenta, cuando varias copias de la versión del 52 habían sido ya distribuidas por todo el mundo. “El rey y el ruiseñor” es una película hermosa, que propone un estilo diferente al de Disney para narrar una antítesis de los cuentos de hadas, francés y republicano, Grimault no recrea princesas ni reyes amables, en su reino de Takikardia el que gobierna es el despótico Carlos XVI, quien dispone retratos suyos (en pinturas, esculturas y arboles podados) a lo largo de todo su palacio, pero que en medio de su riqueza, no halla sosiego al no tener el amor de la bella y humilde pastora, que a su vez está enamorada de un harapiento, pero apuesto, deshollinador.
Ver la version de 1980 en youtube
Rebelión en la granja
Titulo original: Animal Farm IMDB – Dirigida por Halas-Batchelor – Inglaterra, (1954)
Adaptación de la novela de George Orwell, que en un tono sombrío establecía un paralelo entre la situación mundial de la posguerra, y la divisón del mundo entre el bloque capitalista y el socialista con la historia de una granja en la que los animales echaban al granjero para caer bajo la tiránia del cerdo Napoleón.
toda la película en youtube
La reina de las nieves
Titulo original: Snezhnaya koroleva IMDB – Dirigida por Lev Atamanov – Rusia, (1957)
A diferencia de los cuentos cla´sicos estilo disney, las adpataciones ovi´`eticas de estas historias para niños no eran nada pop, o se remitían al origen floclorico de las historias, como en el caballo jorobado, o buscaban remitirse al original literario, como es el caso de La reina de las nieves, absado en un relato de HHans Critian Andersen, que convertía en verdaderos melodramas románticos estas historias populares. La reina de las nieves de Adamov cuenta con elementos caricaturescos, pero extrañamente, recuerdan mas a Ozamu Tezuka que a Disney (no es casual que sea una de las peliculas animadas preferidas de Hayao Miyasaki), y en su drama de la pequeña Gerda buscando a su hermano Kay, vemos un estoicismo y un dfolor que nucna vemos en largos animadoas americanos, mencióne special, además del diseño de l aglacial y hermosa reina de las nieves, para la secuencia de los salteadores de caminos, que son tal vez los mejores salteadores de caminos de toda la animación.
toda la película en youtube
La serpiente Blanca
Titulo original: Hakujaden IMDB – Dirigida por Kazuhiko Okabe – Japón, (1958)
Realizada en los estudios de la productora TOEI, que llegaría aconvertirse en la Disney japonesa, La serpiente blanca narra una hermosa leyenda china, que es de las más bellas historias de amor de los dibujos animados.
El joven Xu-Xian se enamora de una serpiente blanca, que es en realidad la hermosa princesa Bai-Niang, que ha sido encantada y es perseguida por le monje Fa-Hai, que la considera un espirítu maligno, Xu-Xian y la princesa solo lograrán encontrarse después de muchas aventuras, en las que Xu xian es acompañado por un gracioso Panda.
la serpiente Blanca no solamente es una película que supo estar a un nivel tan alto como el que existía en Norteamérica con una propuesta visual completamente distinta, es además la piedra angular sobre la que se levanta todo el anime contemporáneo
cabe destacar
Además de éstas y otras películas que fueron estrenadas en el mundo en esos años, los mediometrajes soviéticos El diploma desaparecido y La flor escarlata, que por su duración de 42 minutos no son estrictamente largometrajes (aunque vistos juntos son toda una double feature comunista), que hacen gala de un trabajo impresionante de animación, dirección de arte, rotoscopio y un lenguaje cinematográfico digno de Eisenstein,
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por diegogue
Arthur Conan Doyle era, sin ninguna duda, un tipo por lo menos tan inteligente como su personaje, el detective Sherlock Holmes. No fue un gran escritor, como Joseph Conrad o Robert Louis Stevenson, pero sí un creador de mitos, concibió nada más ni nada menos que al gran héroe de la sociedad industrial y eso no es poca cosa. Pero él mismo llegaría a renegar de Holmes, personaje que como decía su autor, carecía de luces y sombras, lo cual significaba que, a la par de volverse cada vez más exitoso el detective, a su autor en cambio se le hiciera cada vez más aburrido, siendo sus aventuras la primera obra de ficción de masas, Sherlock Holmes fue además el inicio de los estereotipos. Acaso Conan Doyle hubiera dado la mitad del éxito de Sherlock Holmes a cambio de poder escribir relatos más personales que, seguramente, su editor habría rechazado (especialmente de aventuras, como los que escribía antes de que Holmes fuera un éxito, hay un extenso episodio en la novela “Estudio en escarlata” acerca de los mormones que, literariamente, es quizás más valioso que todas las aparatosas y acartonadas aventuras de Sherlock Holmes). Y es que siendo este genio de la deducción lógica el padre de los súper héroes (más que de la novela negra), no tiene demasiado sentido censurar al Sherlock Holmes de Guy Ritchie, por no ceñirse al original (o más bien no ceñirse al sin fin de mediocres adaptaciones a la pantalla que tuvo el personaje a lo largo del siglo XX), al mostrar un Sherlock Holmes extrañamente humanizado, con más vínculos con un geek actual que con el larguirucho y flemático detective victoriano, que no consume cocaína, como el de los libros, ni viste esos ridículos atuendos de tweed ni fuma pipa, y en cambio (mal) vive de las apuestas en las que él mismo pelea con matones en locales de mala muerte (en los libros se mencionan sus dotes de boxeador, más no lo de las apuestas de las que él y Watson viven en la película), además de ser un atleta es en extremo brillante y ayuda de tanto en tanto a la policía a resolver casos, acompañado de su amigo Watson, con quien protagoniza escenas de celos especialmente ambiguas, y asimismo, el único punto débil de su brillante intelecto lo representan las mujeres. El Sherlock Holmes de Guy Ritchie no es completamente consecuente con el de Conan Doyle, pero sí con todos las ficciones de masas que surgieron desde entonces, toda una tradición de pulp fictions, de vampiresas como las que dibujaba Will Eisner en Spirit, de esos héroes cínicos y despreocupados que protagonizaban Paul Newmann y Robert Redford en los 70, y llega incluso a parafrasear en la música (de Hans Zimmer), esas composiciones brillantes y pegajosas que Ennio Morricone creaba para comedias de acción, y vive en la película, una aventura inmersa en las sociedades secretas inglesas (la masonería sin nombrarla) que lo acerca más al From Hell de Alan Moore de lo que apenas pudo lograr la adaptación cinematográfica de dicho cómic, y todo en un Londres teatral y espectacular, parecido a la Gotham City de los Batman de Tim Burton, y con una ambientación que en su uso del pasado futurista (genial el puente de Londres a medio construir), resulta más genuinamente steampunk que esas aburrídisimas películas recientes de La máquina del tiempo o La vuelta al mundo en ochenta días.
No, el Sherlock Holmes de Guy Ritchie, donde Robert Downey Jr encarna al sagaz detective y Jude Law al doctor Watson no respetará del todo a su original literario, pero recrea muy dignamente las cacareadas aventuras de un detective inverosímil (el de los libros, el de la película) y lo hace digerible a las audiencias contemporáneas al convertirlo en un heroe de acción inteligente y extravagante, siendo fiel más que nada al estilo que el propio Ritchie ha fabricado en sus anteriores películas: Lock, Stock, and Two Smoking Barrels, brillante comedia de acción sobre un jovenzuelo que pretende estafar a unos veteranos jugadores de poker y se ve envuelto en una peligrosa y emocionante aventura en el Londres de los 90, la película sería tan buena y tuvo tanto éxito que Ritchie se plagiaría a sí mismo con mayor presupuesto y actores famosos en Snatch, donde Brad Pitt era un gitano que peleaba por dinero (como Sherlock Holmes) y un mafioso convertía a sus víctimas en comida para cerdos, más adelante Ritchie haría un policial menos chistoso pero siempre posmoderno, la ignorada pero genial Revolver, con Jason Staham como el pistolero que trata de huírle a un destino trágico en un Las Vegas que parece una pesadilla, pero entonces, Ritchie descendería a los infiernos haciendo un muy fallido remake de Lina Wertmuller, poniendo a su esposa Madonna a hacer de náufraga en la segunda guerra mundial en una película que ojalá nunca se hubiera filmado (ojalá nunca hubiera existido Madonna), pero luego Ritchie renacería como ave fenix, como su personaje el RocknRolla Johnny Quid, alter ego de Peter Doherty, el controvertido cantante que, al igual que el Robert Downey Holmes, ha protagonizado toda suerte de escándalos por su adición a las drogas que no le han limitado su creatividad artística, en la película del mismo nombre, el también controvertido Johnny Quid, aka RocknRolla, era además de cantante famoso, el hijo de un mafioso al que de niño su padrastro azotaba por cantar el Bank Robber de The Clash, y se las arreglaba para pasar del mundo de las drogas y el rock n’ roll al de los matones con gran agilidad. Las películas de Ritchie tienen el común denominador de la ligereza asumida e inteligente, siempre con un ligero trasfondo trágico y sórdido, son comedias, pero no escatiman violencia y a veces un descarnado realismo contrapuesto a secuencias de acción trepidante, y asimismo, no son para toda la familia como lo serían si fueran americanas. Con su Sherlock Holmes del siglo XXI, Ritchie ha logrado algo que muy pocos directores consiguen, una superproducción, muy costosa y muy exitosa, pero no completamente vana, no completamente olvidable como las innecesarias cintas que genera Hollywood constantemente, porque es que el Sherlock Holmes del 2009 tiene algo que los efectos de CGI no consiguen (aunque tiene efectos de CGI), esta versión despreocupada, emocionante y exagerada del detective más famoso de todos los tiempos exuda algo que no suele verse en el cine comercial, y que no siempre estuvo en la obra de Conan Doyle:
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